Mensajes de Críspulo Cortés Cortés

Mensajes de SAN PEDRO DE MERIDA (Badajoz) enviados por Críspulo Cortés Cortés:

La primera sinfonía del milanés Giovanni Battista Sammartini, está dividida en cuatro movimientos, que nos señala el nacimiento de una nueva forma.
Los últimos compositores con una importante obra instrumental fueron:
Baldassare Galuppi.
Giovanni Battista Martini.
Luigi Boccherini.

Ópera italiana.
La ópera de estilo italiano fue también cultivada por compositores extranjeros, y el caso de Händel quizá sea el más notable de todos, mientras que entre los compositores autóctonos de ópera podemos citar a:
Nicola Porpora.
Niccolò Jommelli.
Francesco Feo.
Francesco Durante.
Los Bononcini.
Tommaso Traetta.

La música instrumental conoció un florecimiento de formas instrumentales nuevas, como la sonata, el concerto grosso y el concierto con solista, desarro-llado por compositores de gran categoría como:
Arcangelo Corelli.
Antonio Vivaldi.
Tommaso Albinoni.
Giuseppe Torelli.

En la música religiosa este hecho produjo la apari-ción del oratorio y la cantata en Roma, siendo sus más conspicuos representantes Giacomo Carissimi y Alessandro Stradella.
Mientras tanto, Girolamo Frescobaldi se había re-velado como el más importante creador de la escuela organística italiana.

La influencia de la ópera se extendió rápidamente por toda Europa, y el italiano se convirtió en una lengua internacional para todos los compositores.
El triunfo de la ópera significó también el triunfo de la monodia sobre la polifonía.

Los primeros ejemplos de lo que, de la mano de Monteverdi puede ya denominarse drama musical, fueron Orfeo y Arianna.
Con la propagación del nuevo género surgieron una serie de focos operísticos:
Venecia - donde trabajaron Pier Francesco Cavalli y Giovanni Legrenzi.
Roma - con Marco Antonio Cesti, Stefano Landi y Luigi Rossi.
Nápoles - con Francesco Provenzale.
Y, más adelante, Alessandro Scarlatti que fue con-siderado como el verdadero creador de la ópera napolitana.

En 1600 se representaron dos versiones de la obra Euridice, una de Peri y otra de Giulio Caccini, ambas sobre el mismo texto de Rinuccini. Mas, para que ésta adquiriese verdadera forma artística, el recitativo, debió de esperar el tratamiento que le otorgó Monteverdi: transformó el recitativo árido y académico de las cameratas de los salones musica-les en un portentoso instrumento lírico dramático, que empezaba a encaminarse hacia un acorde con las exigencias dramáticas del texto.

El objetivo propio del Renacimiento tardío era revivir la tragedia clásica.
La música debía superponerse a los versos de la tragedia sin impedir la comprensión de los mismos.
Esta exigencia llevó a la creación del recitativo cantado.
El primer ejemplo, Dafne, de Ottavio Rinuccini, con música de Jacopo Peri, fue representada en su forma definitiva en la residencia florentina de los Corsi.

Del recitativo a la ópera
Parece ser que el recitativo apareció por primera vez en Florencia en los salones de Giovanni Bardi, primero, de Jacopo Corsi después.

En cuanto a los organistas, además de Merulo y de los Gabrieli, destacaron Luzzasco Luzzaschi y G. Cavazzoni.

Del recitativo a la ópera
Parece ser que el recitativo apareció por primera vez en Florencia en los salones de Giovanni Bardi, primero, de Jacopo Corsi después.

En el campo de la música profana, destacan las canzoni y los madrigales polifónicos, que fueron cultivados por los maestros flamencos activos en Italia y por compositores locales como:
Claudio Merulo.
Luca Marenzio.
Carlo Gesualdo.
Claudio Monteverdi.

En cuanto a los organistas, además de Merulo y de los Gabrieli, destacaron Luzzasco Luzzaschi y G. Cavazzoni.

Fue continuada por Andrea Gabrieli, uno de los grandes madrigalistas del Renacimiento, y por su sobrino y discípulo Giovanni Gabrieli, que al utili-zar simultáneamente los dos coros de que disponía la catedral de San Marco de Venecia, creó en sus composiciones un primer principio de estereofonía musical.

Otra escuela de música religiosa fue la veneciana, que fue impulsada por el flamenco Adrian Willaert, superior a sus coetáneos italianos por el dominio de la técnica del contrapunto.

Palestrina tuvo, en la llamada escuela romana, una serie de seguidores e imitadores como:
G. M. Nanini.
G. Animuccia.
M. A. Ingegneri.

Otra escuela de música religiosa fue la veneciana, que fue impulsada por el flamenco Adrian Willaert, superior a sus coetáneos italianos por el dominio de la técnica del contrapunto.

Más adelante, Costanzo Festa consolidó el estilo italiano, que culminó con la extraordinaria produ-cción a cappella de Pierluigi da Palestrina: su obra satisface de modo ejemplar las nuevas directrices del Concilio de Trento, para el cual la música debía ante todo limitarse a avivar la fe y hacer inteligible el texto sagrado.

Palestrina tuvo, en la llamada escuela romana, una serie de seguidores e imitadores como:
G. M. Nanini.
G. Animuccia.
M. A. Ingegneri.

En 1501, Ottaviano Petrucci inició en Venecia y a gran escala, la impresión de música polifónica.
La música vocal recuperó la claridad y la expresi-vidad con Franchino Gaffurio, quien supo realizar una síntesis de la escritura contrapuntística y la agilidad melódica.

El arte musical profano halló su vía de expresión en los cantos de carnaval, y en la frottola o barzelletta, el strambotto y la villanella.
Los máximos representantes de la lírica profana fueron Marchetto Cara y Tromboncino.

En el siglo XIV, fue introducida la música de la escuela franco flamenca merced a los cantores que el Papa trajo consigo de Aviñón.

Por otra parte, los ritos orientales adoptados por griegos y por romanos trajeron la introducción de la mayoría de los instrumentos de percusión, como por ejemplo los pequeños címbalos o la kýmbala, las castañuelas o krótala y un pequeño tambor llamado tympanón.

La primera música religiosa cristiana se identifica con el gregoriano, mientras que en el ámbito de la música profana las primeras piezas son canciones con texto en latín de los siglos IX y X, y las de música religiosa sin destino litúrgico son las laú-des, cantadas en Toscana en el siglo XIII.

En los ejércitos, los romanos utilizaban el lituus, cuyo tubo casi cilíndrico era recto hasta el arranque del pabellón, ligeramente abierto y curvo.

Entre los instrumentos de metal destacaron diver-sas trompetas, que según la tradición eran origina-rias de Tirrena o de Etruria, que consistían en un tubo ligeramente cónico y que podían ser rectas o curvadas en forma de tuba o bucina.

En los ejércitos, los romanos utilizaban el lituus, cuyo tubo casi cilíndrico era recto hasta el arranque del pabellón, ligeramente abierto y curvo.

La sýrinx policalama o flauta de Pan tenía de cinco a trece tubos de dimensión creciente y yuxtapuestos, ya que probablemente se trate de la antecesora del hýdraulis, que fue el primer modelo de órgano, que le fue atribuido a Ctesibio, que vivió en Alejandría hacia el siglo II a. J. C.

En el capítulo de los instrumentos de viento, la tibia romana, llamada el aulos, era un instrumento de lengüeta simple o doble, antecesora del clarinete o del oboe actuales. Se conocía la flauta recta, que era la sýrinx mono calama de los griegos, o la fistula de los romanos, que no conoció variación alguna.

Música italiana.
Los romanos adoptaron en toda la Magna Grecia la lira y la cítara según los modelos griegos, pero en el período alejandrino, los griegos y los romanos experimentaron una notable influencia oriental que se manifestó en el incremento del número de cuerdas de la cítara y en la aparición de cítaras de diversos registros.

Los ochenta fueron los años de la movida, con:
Alaska.
Pegamoides.
Mecano.

La década de los setenta se caracterizó por el triunfo de los solistas, con:
Raphael.
Julio Iglesias.
Nino Bravo.
Cecilia.
Juan Pardo.
Camilo Sesto.
Mari Trini.
José Luis Perales.

Los ochenta fueron los años de la movida, con:
Alaska.
Pegamoides.
Mecano.

El Dúo Dinámico puede considerarse como precursor aunque el gran momento del pop español llegó en los sesenta con la aparición de grupos como:
Los Brincos.
Los Bravos.
Los Mustang.
Los Sirex.
Los Ángeles,
Lone Star.

La década de los setenta se caracterizó por el triunfo de los solistas, con:
Raphael.
Julio Iglesias.
Nino Bravo.
Cecilia.
Juan Pardo.
Camilo Sesto.
Mari Trini.
José Luis Perales.

Con la influencia del rock anglosajón, las nuevas generaciones han optado por la creación de un pop español que ha sido la gran moda musical de los últimos treinta años.

En el terreno de la música actual, el flamenco es la gran aportación nacional al folklore universal.
Derivado de él, la copla fue la canción popular por excelencia entre los años treinta y sesenta.

Con la influencia del rock anglosajón, las nuevas generaciones han optado por la creación de un pop español que ha sido la gran moda musical de los últimos treinta años.

No obstante, el compositor que lleva el nacionalis-mo musical español a su mayor altura es Manuel de Falla. Músico completo, Falla supo amalgamar la tradición autóctona con la armonía e instrumen-tación modernas.
Falla ha iluminado a toda una ge-neración de compositores en los que los rasgos propiamente hispánicos están definitivamente incorporados a la música culta.

Tras la publicación de sus estudios musicológicos, pasó al terreno creativo para componer en un estilo español. Los dos máximos beneficiarios del trabajo de Pedrell son Isaac Albéniz y Enrique Granados que sobresalieron sobre todo en su música para pia-no, un piano armónica y técnicamente complejo, pero continuamente salpicado de tonadas y de motivos completamente ibéricos.

La fuente del nacionalismo músical en España fue Pedrell, autor que empezó escribiendo melodramas llenos de influencias alemanas e italianas, aunque se adentró en el patrimonio musical autóctono.

Las características de la música española fueron por mucho tiempo el símbolo de lo exótico, a partir del siglo XIX, tanto para la vecina Francia como de la lejana Rusia.

También la figura de Boccherini, que estaba afin-cado en Madrid, fue decisiva para la configuración de un estilo español.

Las características de la música española fueron por mucho tiempo el símbolo de lo exótico, a partir del siglo XIX, tanto para la vecina Francia como de la lejana Rusia.

Cabe mencionar que la música escrita en la España del siglo XVIII, tanto la vocal como la instrumen-tal, tuvo un marcado carácter religioso. Pero la presencia de D. Scarlatti influyó sobremanera en el estilo instrumental, destacando las obras para tecla de Soler y de Albero, cuya escritura sitúa a este último como una importante síntesis de los estilos español, italiano y francés.

También la figura de Boccherini, que estaba afin-cado en Madrid, fue decisiva para la configuración de un estilo español.

La zarzuela, con textos de Calderón, Villamediana y Bocángel, es una inmediata evolución que ofreció resistencia ante las modas extranjeras, mayorita-riamente italiana.

Heran los máximos representantes de la música instrumental y autores de las primeras diferencias, de una forma de variación, que se conocen.
Como ilustre puente entre los dos siglos aparece Tomás Luis de Victoria, el polifonista más impor-tante de su tiempo junto con Palestrina.
Bajo la estela del gran siglo de oro de las letras se compuso mucha música de carácter cortesano para las comedias escenificadas.

La zarzuela, con textos de Calderón, Villamediana y Bocángel, es una inmediata evolución que ofreció resistencia ante las modas extranjeras, mayorita-riamente italiana.

arábigo-andaluza.
El Renacimiento en España es artísticamente muy importante.
En la música vocal destaca Cristóbal de Morales, que era el maestro de capilla en Ávila y en Málaga, y Antonio de Cabezón, que era ciego de nacimiento y organista en la corte de Carlos V y de Felipe II.

En una compilación como, El Códice Calixtino, se advierten las influencias de la música francesa, así como la de la galaica y la castellana. Asimismo se observa una mezcla estilística en el Códice de las Huelgas o en las Cantigas de Santa María, reunidas entre 1250 y 1280 por Alfonso X el Sabio, que presentan una conjunción de estilos de los trovado-res provenzales y los galaico-portugueses, a los que se unen claras reminiscencias de la música

Música española.
La singularidad musical de España se basa en su capacidad de aglomerar las diversas culturas.

Police.
The Trío británico de música pop.
Influido por el reggae, en sus inicios.
El grupo estaba compuesto por Copeland, Sum-mers y Sting, los que encadenaron una importante serie de éxitos críticos y comerciales durante finales de los setenta y principios de los ochenta que les convirtieron en una de las bandas más importantes del mundo.
El grupo se separó tras su mayor éxito, el álbum Synchronicity.
Destacan, Outlandos d'amour, Regatta du blanc, y Zenyatta Mondatta.

Música española.
La singularidad musical de España se basa en su capacidad de aglomerar las diversas culturas.

Mike Oldfield.
Compositor y guitarrista británico.
Comenzó formando el dúo folk Sallyange junto a su hermana Sally Oldfield. En 1973 consiguió que un nuevo sello, Virgin, le editara una larga suite instrumental escrita e interpretada exclusivamente por él con el título de Tubular Bells.
Fue uno de los mayores éxitos de ventas de los años setenta y el comienzo de una carrera que tiene entre sus hitos:
Hergest Ridge.
Ommadawn.
Five miles out.
Crises.
Islands.
Tubular Bells, 2.

Mamas & the Papas.
The Cuarteto vocal estadounidense.
Surgido en la California de la revolución pacifista, representaron con su aspecto, sus actitudes y sus hermosas armonías vocales el espíritu de belleza y bondad que el fenómeno hippy significaba.
Formado por Philips, Gilliam, Elliot y Dennis.
Se unieron después de algunas experiencias en grupos folk y triunfaron con California Dreamin, su primer disco.
Les siguieron:
Monday, monday.
Dedicated to the one I love.
Creeque Alley.
En ... (ver texto completo)

Carole King.
Cantante, compositora y pianista estadounidense.
Su verdadero nombre es Carole Klein.
Fue la compositora de mayor éxito, formó pareja con su marido Gerry Goffin.
Sus primeros intentos como cantante no cuajaron pero a comienzos de los setenta impulsó la llamada edad de oro con su álbum Tapestry, que significó una revolución en el mundo pop.
Su canción You've got a friend catapultó a James Taylor, otro cantautor.

Tom Jones.
Cantante británico.
Su verdadero nombre es Thomas Jones Woodwar.
De poderosa voz, se impuso en la década de los sesenta en plena etapa triunfal de los grupos pop.
Descubierto por Gordon Mills, su manager y pro-ductor, logró su primer triunfo con It's not inusual al que siguieron éxitos como Green, green grass of home y Delilah.
Del pop derivó hacia la música country y se hizo asiduo a los escenarios de Las Vegas.
En 1988 resucitó artísticamente con el tema Kiss, escrito por Prince, ... (ver texto completo)

Harry James.
Trompetista y director de orquesta estadounidense.
Logró la popularidad como intérprete de trompeta, pese a que fue el que descubrió, un nuevo vocalista llamado Frank Sinatra.
Había sido figura en el grupo de Benny Goodman hasta que lo abandonó para dirigir su propia formación. Más próximo a la música de baile que al jaz, suavizó su sonido con el añadido de cuerda. Tocó la trompeta que simulaba interpretar Kirk Douglas, en la película Young man with a horn.

Whitney Houston.
Cantante pop estadounidense procedente de familia artística.
Su madre y su prima, Cissy Houston y Dionne Warwick, son también famosas cantantes.
Grabó a los once años su primer disco religioso y se convirtió en modelo y actriz de TV.
Su primer álbum, Whitney Houston, superó los catorce millones de copias.
Encadenó siete números uno en las listas de exito, superando el récord que mantenían, en seis, The Beatles y Bee Gees.

Peter Gabriel.
Antiguo líder de Genesis.
Abandonó el grupo en 1975 para iniciar su carrera en solitario.
Sus discos presentaban múltiples influencias de la música minimalista y su carácter semiexperimental dificultó su acceso a las listas de ventas.
Sin embargo, con el álbum So, Gabriel se convir-tió en uno de los artistas pop más respetados por el público y la crítica.
Destaca su fructífera labor como compositor de música cinematográfica, con obras como Biko, con-vertida hoy día en un verdadero ... (ver texto completo)

Sam Cooke.
Cantante y compositor de música pop.
Comenzó enrolado en el grupo de música gospel, los Soul Stirrers, que no permitía a sus integran-tes practicar la música profana.
Grabó su primer disco pop con nombre supuesto, pero fue reconocido y optó por seguir su carrera en la canción popular.
Se convirtió en la voz negra más influyente de su generación y Rod Stewart reconoce su deuda con él.
Murió en un motel de Los Ángeles a manos de la gerente del local en un asunto de acoso sexual. ... (ver texto completo)

Phil Collins.
Cantante pop británico.
Actuaba como batería y cantante del grupo Genesis, tras el abandono del anterior vocalista, P. Gabriel, Collins inició su carrera en solitario con el álbum Face value.
El gran éxito de éste último animó a Collins a proseguir su trayectoria individual, que fue al final la más relevante de los años ochenta y noventa.
Otros álbumes de éxito han sido:
Hello, I must be going.
La banda sonora de Contra todo riesgo.
No jacket required.
But seriously.
Luego ... (ver texto completo)