Respuestas para Críspulo Cortés Cortés

En Richard Strauss convergen el gran compositor de poemas sinfónicos y el operista que era deudor de Mozart y de Wagner, pero que era también cercano al expresionismo.

Aunque Paul Hindemith compuso sus primeras obras bajo la influencia del posterior romanticismo alemán, éste, pronto incorporó al movimiento de la Nueva Objetividad y simultáneamente creó lo que él llamaba, Música para ser utilizada, en la que se mostró partidario de simplificar el lenguaje, de forma que la música pueda ser para la sociedad.

Discípulos de Bruckner fueron Hugo Wolf, que estaba dedicado al cultivo del lied, y Mahler, quien, aunque aplaudido en su tiempo como gran director de orquesta, fue un compositor de obras sinfónico vocales en las que lo descriptivo y lo narrativo es reemplazado por el sufrimiento, el dolor, la redención, la felicidad, etc.

En Richard Strauss convergen el gran compositor de poemas sinfónicos y el operista que era deudor de Mozart y de Wagner, pero que era también cercano al expresionismo.

Aunque considerado como seguidor de Wagner, Anton Bruckner, ajeno por completo al teatro, se dedicó preferentemente a la música sinfónica, respe-tando la forma clásica pero dotándola de ambiciosa extensión, preferentemente en los grandes adagios y en los finales acumulativos.

Autor, entre otras obras, del ciclo épico El anillo de los Nibelungos y del festival sagrado Parsifal, su Tristán e Isolda, con su exacerbado cromatismo, se han constituido en punto de partida de la música actual.

La melodía infinita, resultado de la combinación de los motivos conductores que estaban asociados a los distintos personajes, a las ideas, a los sentimientos y a las situaciones, es característica de su entramado músico dramático.

En una situación distinta, e incluso antagónica, se encuentra la obra de Richard Wagner, dedicado casi exclusivamente a la ópera o drama musical según gustaba llamar a sus realizaciones.

Al segundo, la magna personalidad de Johannes Brahms, tachado de conservador, pues sus cuatro sinfonías, siguiendo a Beethoven, se desarrollan según criterios puramente musicales, con una grave e intensa expresividad que también puede hallarse en sus dos conciertos para piano o en Un réquiem alemán, por ejemplo.

En una situación distinta, e incluso antagónica, se encuentra la obra de Richard Wagner, dedicado casi exclusivamente a la ópera o drama musical según gustaba llamar a sus realizaciones.

En el primero de los grupos podemos emplazar a Johann Strauss padre y a Johann Strauss hijo y el vals vienés.

La expresión de la intimidad personal distingue a la obra de Robert Schumann.
Ciclos liederísticos sobre las poesías de un mismo autor, obras para piano, música de cámara, cuatro sinfonías, etc.
Fue precisamente a partir de Schumann que los compositores románticos buscaron nuevos elemen-tos expresivos por dos cauces distintos:
Unos en recursos y convenciones extramusicales.
Otros en la profundización de la tradición.

En el primero de los grupos podemos emplazar a Johann Strauss padre y a Johann Strauss hijo y el vals vienés.

Por su parte, Mendelssohn redescubrió a Bach en una ejecución de la Pasión según San Mateo.
Compuso los oratorios Eliah y Paulus, pero de igual importancia son sus obras en pequeño forma-to como las Romanzas sin palabras, donde respeta el sentido tradicional de la forma, también notable en sus cinco sinfonías.

Berlín se convirtió en el centro del romanticismo durante algunas décadas.
Carl Maria von Weber, defensor de un modelo de ópera alemán frente al italiano, estrenó en dicha ciudad El cazador furtivo, ópera que resume la nue-va estética:
El poder emotivo y aniquilador de la naturaleza.
La especial valoración de lo sobrehumano.
La expresión de la intimidad personal.

Socialmente trascendió el ambiente exclusivista de los círculos aristocráticos y, además, este maestro divulgó su arte músical entre las nuevas clases so-ciales, particularmente entre la burguesía.
Schubert compuso nueve sinfonías, aun cuando la octava, que es la más célebre, quedó sin terminar, pero su personalidad está ante todo vinculada a la composición de canciones, ya que compuso más de seiscientas hasta el punto que puede afirmarse que es un género casi exclusivamente creado por él.

técnica.
Ludwig van Beethoven, aunque formalmente pueda integrársele dentro del clasicismo vienés, imprimió a su música tal dramatismo, particularmente a sus nueve sinfonías y a sus treinta y dos sonatas para piano, que le denominan como el primer romántico, una apreciación que puede hacerse extensiva a sus cinco últimos cuartetos.

Wolfgang Amadeus Mozart, compositor de una precocidad, genialidad y fecundidad sin parangón, asimiló perfectamente las innovaciones del anterior, pero dotó a sus obras de una calidez sentimental que anuncia el romanticismo.
Su catálogo comprende cuarenta y una sinfonías, casi una treintena de conciertos escritos para piano y orquesta, varias misas y en el terreno operístico renueva la ópera en alemán partiendo del singspiel y con la ayuda del libretista Lorenzo da Ponte lleva la ópera de estilo ... (ver texto completo)

Joseph Haydn da al género sinfónico su estructura fundamental ya que compuso más de cien sinfonías y, con ellas, da cumplida culminación al clasicismo vienés. Pero, además, a éste autor se debe la actual disposición del cuarteto de cuerda y la autoría de oratorios como:
Las estaciones.
La creación.

También en Viena, el compositor Von Gluck inició, con Orfeo y Euridice, en colaboración con el libretista Ranieri de Calzabigi, una reforma de la ópera con una preceptiva racionalista.

El período clásico de la música sinfónica se separa con la escuela de Mannheim y también con la escuela vienesa clásica o clasicismo vienés.
En Mannheim, el príncipe Karl Theodor convocó para su orquesta áulica a un grupo de compositores que recibieron el nombre de los Stamitz.
Se creó entre otros efectos la marcada dinámica o crescendo de Mannheim, que influyó ampliamente en la escuela de Viena que comprendía, a maestros como Monn, Wagenseil y Dittersdorf a la gran tríada formada por Haydn, Mozart ... (ver texto completo)

También en Viena, el compositor Von Gluck inició, con Orfeo y Euridice, en colaboración con el libretista Ranieri de Calzabigi, una reforma de la ópera con una preceptiva racionalista.

Hacia mediados de siglo aparecieron los primeros tratados de técnica instrumental:
El de flauta de Johann Joachim Quantz.
El de clave de uno de los hijos de Bach.
El de violín de Leopold Mozart, padre de Wolfgang Amadeus.

En Georg Friedrich Händel, que desarrolló gran parte de su carrera musical en Inglaterra, se fun-den la severidad del contrapunto musical con el donaire de la música italiana.
Tentado por la ópera de modelo italiano con Giulio Cesare y Alcina, logró una mayor aceptación con el oratorio inglés El Mesías y Sansón.

Georg Philipp Telemann, compositor igualmente fértil pero menos profundo que Bach.
Experimentó una evolución que lo condujo al estilo galante lo cual diferenciaría a la música alemana posterior.

La época clásica.
Johann Sebastian Bach es posiblemente, junto con Mozart, el más impresionante genio de la historia de la música.
Fue el unico cantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, desde el año1723 hasta su muerte.
Su obra es sorprendente tanto por la cantidad como por el dominio y la imaginación que éste consumado artista, acusa en la escritura contrapuntística, de la que fue maestro indiscutible.
Como a hecho una fenomenal recapitulación de toda la ciencia musical anterior, su ... (ver texto completo)

Georg Philipp Telemann, compositor igualmente fértil pero menos profundo que Bach.
Experimentó una evolución que lo condujo al estilo galante lo cual diferenciaría a la música alemana posterior.

El influjo de Francia aumentó considerablemente en el siglo XVIII.
Como ejemplo, Johann S. Kusser, discípulo de Lully, marca el punto culminante de la influencia francesa en la ópera.
A Kusser se debe principalmente la introducción de la obertura francesa, dividida en tres partes.

Introducción a la ópera.
En la segunda mitad del siglo XVII se introdujo el género operístico, la cual era de origen italiano, al igual que la sonata y la sinfonía, y de incidencia cortesana. La mayor parte de las veces era cantada en italiano. Además, la influencia de Frescobaldi se sentió en la estética de los organistas de Austria y la Alemania meridional, particularmente a través de Johann Jakob Froberger, quien, influido también por su estancia en París, llegó a la fusión de los estilos italiano ... (ver texto completo)

Schütz, discípulo de Giovanni Gabrieli en Venecia adoptó las fórmulas del recitativo italiano al idioma alemán, e inició el camino de la cantata religiosa y adaptó el concierto espiritual con gran efectivo vocal e instrumental.

A finales del siglo XVI, empezó a registrarse la influencia de la polifonía italiana, como lo atestigua la producción a doble coro de Jacob Gallus y de Hans Leo Hassler.
Michael Praetorius introdujo el uso del bajo conti-uo y escribió el tratado Syntagma musicum.
Él es considerado, junto a Heinrich Schütz y otros compositores como son Sohein y Scheidt, como los iniciadores del Barroco.

Autóctono es el género de la suite instrumental, de gran repercusión, ya que se trataba, de una secuencia de danzas con un instrumento para solista, que al principio eran de dos movimientos, pero Johann Hermann Schein aumentó su número hasta cinco.

Con el fin de establecer su nueva liturgia, Lutero llamó, entre otros, al compositor Johann Walther, que en 1524 publicó la primera colección de himnos protestantes:
Geystliche Gesank Büchleyn.
Libro de cantos espirituales.

La música en la Reforma.
La Reforma protestante influyó notablemente en la creación musical.
Lutero implantó el servicio divino en alemán como uso general, y como principal forma musical el coral o canto de la asamblea, de carácter solemne que era ejecutado al unísono.

El Renacimiento produjo un nuevo tipo de músico, de carácter itinerante, por eso, la corte del duque de Baviera acogió al compositor neerlandés Orlado de Lassus.

A partir del siglo XIV, en el ámbito de las grandes ciudades, aparecieron los Meistersinger, maestros cantores que cultivaban la poesía y la música, pero lo hacían, según fórmulas que limitaban la libre expansión lírica, y su más destacado representante fue Hans Sachs. Desde principios del siglo XVI la polifonía alemana empezó a manifestar el influjo de la música de los Países Bajos, como lo demues-tran las aportaciones de Heinrich Finck.

El Renacimiento produjo un nuevo tipo de músico, de carácter itinerante, por eso, la corte del duque de Baviera acogió al compositor neerlandés Orlado de Lassus.

Es precisamente en el campo de la polifonía que Francon de Colonia, el autor de un Compendium discantus, se muestra como un teórico defensor de la notación mensural.

Sus relevantes exponentes son:
Walther von der Vogelweide.
Frauenlob.
Neidhart von Reuenthal.
Oswald von Wolkenstein.
Éste último, fue el introductor de la polifonía en las creaciones trovadorescas.

Es precisamente en el campo de la polifonía que Francon de Colonia, el autor de un Compendium discantus, se muestra como un teórico defensor de la notación mensural.

A partir del siglo XI, es cuando se inicia la práctica de la monodia en alemán, que llegará a su más alta expresión con los Minnesänger, cantores del amor, un nombre que les fue dado, para tratar de imitar a los trovadores provenzales del siglo XIII.

Con la llegada del siglo IX, florecieron en estos países, nuevos géneros musicales que originaron el drama litúrgico, así como los primeros ejemplos escritos de polifonía.

Música alemana.
Minnesänger y Meistersinger
Durante la Alta Edad Media, el canto gregoriano se enclavó entre los llamados países bárbaros junto con la cristianización, y el monasterio Suizo de la ciudad de Sant Gallen se transformó en un foco de especial relevancia.

Con la llegada del siglo IX, florecieron en estos países, nuevos géneros musicales que originaron el drama litúrgico, así como los primeros ejemplos escritos de polifonía.

La llegada del fenómeno pop restó audiencia a los intérpretes de la chanson y no han surgido figuras del mismo nivel.

Sus primeras grandes figuras de la era moderna fueron:
Charles Trenet, elegante compositor e intérprete a quien se deben La mer y Douce France.
Edith Piaf, que fue la genial intérprete que ayudó a lanzar a compositores como Bécaud, Aznavour o Moustaki, que también triunfarían como cantantes.
Entre los nombres importantes nacidos en la mú-sica de los cincuenta destacan:
Georges Brassens.
Jacques Brel.
Boris Vian.
Leo Ferré.
Como autores y, además, cantantes, y con:
Juliette Greco. ... (ver texto completo)

La llegada del fenómeno pop restó audiencia a los intérpretes de la chanson y no han surgido figuras del mismo nivel.

La canción francesa.
La tradición del music-hall y sobre todo la aparición de los cabarets existencialistas en St. Germain des Prés hicieron aparecer un tipo de canción poética de gran nivel en la música y los textos, conocido con el nombre genérico de chanson.

Boulez ha podido experimentar sus proyectos en el Centre Pompidou de París junto con las mejores posibilidades técnicas y, además, con los más desta-cados instrumentistas.

Pierre Boulez, sigue representando el músico en constante búsqueda, partiendo del serialismo más estricto, pasando después por la música concreta, la electroacústica, etcétera y participando de la llamada escuela de Darmstadt, cuya preocupación principal fue la de encontrar una disciplina en la escritura, ante la total libertad de lenguajes de los años cin-cuenta, y la huida de los tecnicismos.

Boulez ha podido experimentar sus proyectos en el Centre Pompidou de París junto con las mejores posibilidades técnicas y, además, con los más desta-cados instrumentistas.

Ya dentro de nuestro siglo destaquemos a Olivier Messiaen, reputado organista y gran teórico, con su uso de las ondas Martenot, un primer precursor de la sintetización del sonido, y sus compases de acento irregular de dificilísima interpretación, como en su, Cuarteto para el fin del mundo.

Con las mismas influencias literarias, Debussy es más fluido, subjetivo y emocional, mientras que Ravel es más firme en el contrapunto y la armonía, y su técnica priva sobre la emotividad.
Como extraordinario orquestador, su versión de los Cuadros de una exposición, de Músorgski es un soberbio reflejo del color orquestal impresionista.

El estreno de su, Preludio a la siesta de un fauno, fue un escándalo por la novedad y desnudez de su música. Influido por los poetas franceses y por los pintores impresionistas, como Manet y Monet, es-cribe obras basadas en sus poemas y cuadros.
Fauré defendió a su discípulo Maurice Ravel cuan-do injustamente no se le otorgó el Prix de Rome, en un escándalo que forzó la dimisión del director del Conservatorio de París.

Las personalidades distintas de Fauré y de Satie influirán mucho en compositores posteriores.
En las obras de Claude Debussy, la transgresión y el radicalismo se hacen seductores con su libertad de la forma y los desarrollos.

Otro compositor a contracorriente, antiwagneriano convencido, es Erik Satie, quien produjo pequeñas piezas pianísticas con unos títulos tan sorprenden-tes como:
Tres piezas en forma de pera.
Gimnopedias.
Las cuales contravenían la forma y el contenido.
Satie colaboró con Picasso, Cocteau y toda la élite cultural del cambio de siglo.

Camille Saint Saëns, de excepcionales y precoces cualidades tanto compositivas como interpretativas, fue el último romántico y ejerció amplia influencia sobre la siguiente generación. Uno de los alumnos de Saint Saëns, Gabriel Fauré, es un precursor del impresionismo con sus obras de cámara, en las que subyace una voluntaria ambigüedad armónica.

César Franck, de origen belga, ocupó durante más de cuarenta años el puesto de organista en la iglesia de Santa Clotilde de París.
Sus obras de importancia evolutiva, fueron ignora-das por sus contemporáneos con la excepción de un grupo de alumnos incondicionales, entre los que sobresale Vincent d'Indy.

El Conservatorio de la ciudad de París, ha dictado pautas metodológicas desde su inicio, en 1784, y ha prestigiado con el Prix de Rome a excelentes com-positores, como es el caso de Hector Berlioz, quien después de mantener controversias con Cherubini, el entonces director del Conservatorio y baluarte de la ponderación clásica. Ante ese fervor romántico, produjo la Sinfonía fantástica, una obra donde se exponen las posibilidades de la orquesta sinfónica tal como hoy la conocemos.

En el terreno de la música para tecla, la escuela francesa de clave, con François Couperin, llamado el Grande, y Jean-Philippe Rameau, creó el estilo francés, que era majestuoso, noble y armónicamente complejo.
Francia ha sido la precursora en la teorización y la docencia de la música.
Parte de los artículos musicales de la Enciclopedia se deben a Jean Jacques Rousseau, que también concibió un Diccionario de música.

Los textos franceses eran lo suficiente importantes para poder hacer frente a la ópera italiana, pero tuvo que ser un florentino, Giovanni Battista Lulli, que pasó a llamarse Jean Baptiste Lully, quien provo-cara posiciones enfrentadas, entre los estilos, alla italiana y alla francese, con su obra escénica desde la corte del Rey Sol.